2027年春夏、ALAINPAULは舞台を離れ、その後に続く時間へと向かいます。コレクション「The Scene」は、服の構造の一部を着る人に委ね、初めてライブパフォーマンスを予告します。
2025年春夏にも、現代舞踊はすでにALAINPAULのコレクションを育んでいました。2027年シーズンはその源を保ちつつ、時間を変えます。The Sceneは、公演の後の演者に寄り添います。メゾンによれば、規範化された振付はゆるみ、制度的な舞台とアンダーグラウンドの舞台の境界は消えていきます。メゾンが挙げる振付家Hofesh Shechter、(LA)HORDE、Sharon Eyalに共通するのは、夜の生活のエネルギーに根ざした仕事です。
コレクションを貫くディテールは、調整可能な構造です。オーバーサイズのテーラードスカートには複数のボタン位置と内側のゴム仕組みがあり、着る人がウエストとウールの落ち方を決めます。流れるような服では、軽やかなモスリンのドレスにトンネル、コード、ストッパーが組み込まれ、生地を引いたり緩めたりするとシルエットが変わります。ナイロンのトラックスーツのコード、プルタブ、ゴムは、ペンシルスカート、ノースリーブのトップス、ドレスへと移り、女性用のトラックジャケットにはバルーンスリーブがつきます。メゾンは素材も反転させています。ナイロンに見えるように作られた、ドライで透ける絹と、絹の流動性を帯びた軽いナイロンです。
二つ目の原則は、2025年にパリ・オペラ座のためにImre and Marne Van Opstalと行った協働から来ています。メゾンによれば、それは、舞台衣装は観客の視線のためだけに作られるということを示しました。コレクションはそこから、トロンプルイユ的な断片を引き出します。前身頃だけに縮められたシャツ、見える表面だけに縮められたタンクトップやカーディガン、ジュエリーの代わりとなる装飾的なプラストロン。服は、衣装全体を再現することなく、その記憶を保ちます。ダンサーの体を守るために考案された革のニーパッドは、本来の機能から切り離され、脚につけるアクセサリーやバッグになります。ジャケットの袖は、上で結ぶことも、ベルトやバッグにすることもできます。
この二つの原則は同じ方向を向いていません。最初の原則は、着る人にコントロールを与えます。ピースは調整でき、絞れ、落とすこともできます。二つ目の原則は、あるピースがただ見られるためだけに存在しうることを認めます。両者の共存がコレクションの主な緊張であり、それを判断する基準は単純です。構造は、アイデアの約束を果たしているか。構造だけに縮められたチュチュが、内側のコルセットのまわりにひとつずつ置かれた「千のフリル」のドレスになるのは、二つ目の原則に属します。最後のシルエットは、金属糸を織り込んだシルクオーガンザで、ほとんど重さなく空間で形を保ち、胸元の一本のグログランの帯だけで留められており、より技術的な実演に近いものです。デニムは、摩耗、色抜き、金属箔で一点ずつ加工され、最も明快なアイデアを担っています。個々のアイデンティティから成る集団的なシルエットです。
プレゼンテーションは、この探求を延長します。メゾンによれば、初めて、現代舞踊とアンダーグラウンドの夜の脈動を結びつけるライブパフォーマンスが行われます。Eric Christisonの振付、Senjan JansenがShygirlとともに手がけた楽曲で、孤立した身体から出発し、ひとつの集団へと集まっていきます。着る人に提供される調整が真の用途なのか、構造上の効果にすぎないのかは、ピースそのもので見極めることになります。
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