Für Frühjahr/Sommer 2027 verlässt ALAINPAUL die Bühne und wendet sich dem zu, was auf sie folgt. Die Kollektion The Scene überlässt der Trägerin oder dem Träger einen Teil der Konstruktion des Kleidungsstücks und kündigt zum ersten Mal eine Live-Performance an.
Schon für Frühjahr/Sommer 2025 speiste zeitgenössischer Tanz die Kollektion von ALAINPAUL. Die Saison 2027 behält diese Quelle bei und wechselt den Moment: The Scene folgt dem Interpreten nach der Aufführung. Laut dem Haus lockert sich die kodifizierte Choreografie, und die Grenze zwischen institutioneller Bühne und Underground-Szene verschwimmt. Die Choreografen, die es nennt, Hofesh Shechter, (LA)HORDE und Sharon Eyal, verbindet ein Werk, das aus der Energie des Nachtlebens schöpft.
Das Detail, das die Kollektion strukturiert, ist die verstellbare Konstruktion. Ein übergroßer Schneiderrock verfügt über mehrere Knopfpositionen und ein innenliegendes Gummisystem: Wer ihn trägt, entscheidet über die Weite und den Fall der Wolle. Bei den fließenden Stücken integrieren Kleider aus leichtem Musselin Tunnelzüge, Kordeln und Stopper, sodass das Ziehen oder Lösen des Stoffs die Silhouette verwandelt. Kordeln, Zipper und Gummibänder des Nylon-Trainingsanzugs wandern auf Bleistiftröcke, ärmellose Oberteile und Kleider, während Damen-Trainingsjacken Ballonärmel erhalten. Das Haus kehrt auch die Materialien um: eine trockene, transparente Seide, die wie Nylon wirken soll, ein leichtes Nylon, das die Fließfähigkeit von Seide annimmt.
Das zweite Prinzip stammt aus der Zusammenarbeit von ALAINPAUL mit Imre und Marne Van Opstal für die Pariser Oper im Jahr 2025. Sie habe gezeigt, so das Haus, dass ein Bühnenkostüm nur für den Blick des Publikums gebaut wird. Die Kollektion gewinnt daraus Trompe-l’œil-Fragmente: ein auf die Vorderseite reduziertes Hemd, ein Tanktop oder eine Strickjacke, reduziert auf die sichtbare Fläche, ein ornamentales Plastron, das an die Stelle eines Schmuckstücks tritt. Das Kleidungsstück bewahrt die Erinnerung an ein Kostüm, ohne es vollständig zu reproduzieren. Die Lederknieschoner, entworfen, um den Körper des Tänzers zu schützen, werden von ihrer Funktion gelöst und zu einem am Bein getragenen Accessoire oder einer Tasche; ein Jackenärmel kann oben, als Gürtel oder als Tasche geknotet werden.
Diese beiden Prinzipien gehen nicht in dieselbe Richtung. Das erste gibt der tragenden Person Kontrolle: Das Stück lässt sich einstellen, enger ziehen, fallen lassen. Das zweite räumt ein, dass ein Stück nur existieren kann, um gesehen zu werden. Ihr Nebeneinander ist die Hauptspannung der Kollektion, und das Kriterium zu ihrer Beurteilung ist einfach: Hält die Konstruktion das Versprechen der Idee? Ein auf seine Struktur reduzierter Tutu, verwandelt in ein Kleid aus „tausend Volants“, die einzeln um ein inneres Korsett gesetzt sind, gehört zum zweiten Prinzip. Die letzte Silhouette, aus Seidenorganza, gewebt mit Metallfaden, der seine Form im Raum fast ohne Gewicht behält, gehalten von einem einzigen Ripsband auf der Brust, ist eher eine technische Demonstration. Der Denim, Stück für Stück durch Abnutzung, Entfärbung und Metallfolie bearbeitet, trägt die klarste Idee: eine kollektive Silhouette aus individuellen Identitäten.
Die Präsentation setzt diese Recherche fort. Zum ersten Mal, kündigt das Haus an, verbindet eine Live-Performance zeitgenössischen Tanz mit dem Puls der Underground-Nacht: eine Choreografie von Eric Christison zu einer Komposition von Senjan Jansen mit Shygirl, die von isolierten Körpern ausgeht und sich zu einer Gruppe versammelt. Es bleibt an den Stücken selbst zu sehen, ob die der tragenden Person angebotene Verstellbarkeit ein echter Gebrauch oder ein Konstruktionseffekt ist.
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