Il y a, dans cette collection, une tentative presque méthodique de déplacer la couture hors de la forme. Non plus dessiner un vêtement, mais observer comment il réagit. Non plus imposer une silhouette, mais laisser la matière produire ses propres réponses.
Chez LùCHEN, le point de départ n’est pas la ligne, mais le comportement.
La construction s’organise autour d’une série de tensions physiques : chute, résistance, étirement. Les pièces ne sont pas pensées comme des volumes figés, mais comme des systèmes soumis à la gravité. Certaines maintiennent le corps dans une posture contrainte — volumes rigides, suspendus — tandis que d’autres relâchent cette tension dans des drapés guidés par le poids. Ce contraste installe un rythme, presque mécanique, où immobilité et flux coexistent.
La matière devient ici un outil de réflexion.
Les plumes, déjà présentes dans les saisons précédentes, sont reconstruites selon un protocole précis. Elles ne sont plus naturelles, mais simulées. Découpées dans des fragments de textiles récupérés, des chutes de production ou des plastiques régénérés, elles composent une surface fragmentée, presque numérique. L’effet évoque une plume pixelisée — non pas imitation, mais traduction.
Chaque élément porte une origine identifiable : un morceau de tissu, une matière abandonnée, un fragment sans fonction initiale. Assemblés, ils produisent une surface continue, faite d’accumulation et de répétition. L’ensemble agit comme une archive visible — un réseau de temps superposés.
À l’inverse, la plume réelle introduit une autre temporalité. Plus fragile, plus instable, elle rappelle une présence immédiate, presque périssable. Le dialogue entre ces deux états — simulé et organique — traverse toute la collection. Il ne s’agit pas d’opposer nature et artifice, mais de mesurer leur cohabitation.
Ce principe s’étend à l’ensemble des matériaux utilisés.
LùCHEN introduit des éléments issus de déchets transformés : coquilles d’œufs, fragments de coquillages, matières issues de décharges. À cela s’ajoutent des composants industriels recyclés, comme l’acrylique, ou des objets déplacés de leur usage initial — billes de verre, surfaces obsolètes. Leur présence reste discrète, souvent structurelle, mais participe à une recherche sur la limite de la matière : jusqu’où peut-elle être transformée sans perdre sa précision ?
Ce n’est pas une approche décorative. C’est une expérimentation.
L’atelier fonctionne comme un lieu de stockage autant que de fabrication. Une archive de fragments y est constituée au fil des saisons, chaque pièce conservant la trace de son origine. Le vêtement devient alors un assemblage de temporalités, une construction où chaque couche renvoie à une autre.
Ce qui émerge n’est pas une esthétique, mais un système.
La couture, ici, ne cherche pas à produire une image, mais à organiser des réactions. Le vêtement n’est plus seulement porté : il agit, il résiste, il cède. Et dans cet équilibre instable, il esquisse une autre lecture du mouvement — moins expressive, plus physique.
Une couture qui ne se regarde pas uniquement, mais qui se teste.
